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Inicio: material: Organización de la práctica
| Cómo organizar la práctica del instrumento
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 Algunos comentarios sobre este artículo:
"Querido Daniel:
Quisiera felicitarte porque es un
hermosísimo trabajo el que has hecho. Muy detallado y estoy seguro que
va a guiar a mucha gente que anda perdida y que podrá aprovechar de
toda tu experiencia"
Luis Rossi (http://www.rossiclarinet.com/)
"Daniel: Lo que has escrito me parece muy bueno, muy bien elaborado y pergeñado. Te felicito."
Hugo Pierre (http://es.wikipedia.org/wiki/Hugo_Pierre)
"Estuve leyendo el artículo, ME PARECE GENIAL!
También están muy buenas las acotaciones de Daniel Blech.
Me parece un trabajo excelente que nos va a venir bien a todos
(maestros y alumnos por igual). Te felicito!"
Carlos Céspedes (http://carloscespedes.com.ar/)
"He leído el material con detenimiento y me parece de gran utilidad ver tantos buenos consejos agrupados. Considero este trabajo de gran importancia en aquellos que están en la etapa de 'saldar deudas' en un momento en el que tantas cosas parecen imprescindibles a la hora de cumplir con los requerimientos técnicos de hoy en día. Creo también que músicos ya formados pueden derivar un beneficio certero de este trabajo a la hora de ordenar y optimizar una sesión de práctica.
Las observaciones hechas por Blech me parecieron muy sensatas.
Dale para adelante, y mis felicitaciones por tomarte este trabajo.
Ricardo Cavalli (http://www.ricardocavalli.com.ar/)
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| Nivel:
todos
Última actualización/agregado: 15/02/08, 17.42 hs. |
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- "Si te pierdes un día de práctica nadie lo notará. Si te pierdes dos días, tú lo notas. Si te pierdes tres días tus amigos lo notarán. Pero si te pierdes cuatro o más días... ¡todos lo notarán!."
- "Hay solamente tres formas de ser un buen músico: ¡practicar, practicar y practicar!"
Ambas son frases que seguramente todos escuchamos en algún momento en boca de algún maestro, y también son citadas por Jerry Coker en su libro "How to Practice Jazz". Continúa diciendo: "Tales frases abundan, seguro, pero poco o nada se dice o escribe sobre CÓMO practicar"
Creo que una de los elementos más importantes para el progreso de un aspirante a músico, o de un músico ya formado que busca evolucionar es, además de cierto talento, la forma en que organiza el estudio o práctica diaria.
Es tan importante el CÓMO se practica como el QUÉ y el CUÁNTO se practica.
Muchas veces nos encontramos con cierto tiempo diario para practicar nuestro instrumento y no sabemos por dónde empezar, cuánto tiempo dedicarle a cada cosa, qué practicar y cómo hacerlo.
Si bien se puede aprender muchísimo de varios libros dedicados al aprendizaje, y tal vez (¡espero!) también de este artículo (que a la vez incluye varios conceptos de esos libros), me parece imprescindible la guía de un profesor experimentado, que va a poder sugerir lo mejor para cada alumno, de acuerdo a sus características personales y/o necesidades.
Hay que tener en cuenta que mientras más ocupado está uno (enseñando, trabajando, etc.) tanto más eficiente tiene que ser el estudio, para poder aprender tanto como sea posible en el poco tiempo de que se disponga. Será por lo tanto muy importante que el alumno, que en muchos casos aún tiene el privilegio de vivir con sus padres o todavía no necesita trabajar, adquiera lo antes posible en su evolución hábitos de estudio productivos.
En este artículo voy a ofrecer varias ideas, ejemplos de planes de práctica posibles, recomendaciones, etc., pensando en estudiantes con inquietudes diversas: tocar fluidamente el instrumento, con buen sonido y técnica, improvisar sobre cualquier progresión de acordes, leer con solvencia cualquier partitura que se le ponga delante, etc., etc., etc.
Una frase más, de la película "Matrix":
Morpheus: "Neo, tarde o temprano te
darás cuenta, como yo lo hice, de que
hay una diferencia entre conocer el ca-
mino y recorrerlo..."
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Planificación del estudio |
- Hacer un plan semanal, quincenal, mensual o anual, dividiendo el estudio en ciertas categorías básicas, dependiendo del objetivo de cada alumno. Por ejemplo:
1) Warm-up (preparación) y Sonido
2) Lectura y estudios clásicos y/o populares
3) Transcripciones
4) Técnica
5) Improvisación
6) Repertorio
7) Teoría y entrenamiento auditivo
8) Esparcimiento
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- Asignar a cada uno de estos tópicos cierto porcentaje considerando el tiempo de estudio del que se disponga. Supongamos por ejemplo que se disponga de 2 horas diarias. Tratemos de dividir entonces esos 120 minutos entre los 8 tópicos anteriores, dedicando además cierto tiempo al descanso entre los mismos, cosa muy necesaria. Obviamente, no todos los estudiantes tendrán las mismas debilidades, objetivos e inquietudes, así que es imprescindible considerar cada caso en particular. Pero voy a dar aquí solamente un ejemplo:
- Sonido: 10 minutos
- Lectura y estudios clásicos y/o populares: 10 minutos
- DESCANSO (5 minutos)
- Transcripciones: 15 minutos
- Técnica: 20 minutos
- DESCANSO (5 minutos)
- Improvisación: 15 minutos
- Repertorio: 10 minutos
- DESCANSO (5 minutos)
- Teoría y entrenamiento auditivo: 15 minutos
- Esparcimiento: 10 minutos
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También se podrían incrementar los tiempos asignados a cada tópico, y distribuirlos en dos días, haciendo un "plan A" y un "plan B".
Por ejemplo:
Plan A (Lunes, Miércoles, Viernes)
- Warm-up (preparación) y Sonido: 20 minutos
- DESCANSO (5 minutos)
- Lectura y estudios clásicos y/o populares: 20 minutos
- DESCANSO (5 minutos)
- Transcripciones: 25 minutos
- DESCANSO (5 minutos)
- Improvisación: 20 minutos
- DESCANSO (5 minutos)
- Esparcimiento (15 minutos)
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Plan B (Martes, Jueves, Sábado)
- Técnica: 20 minutos
- DESCANSO (5 minutos)
- Técnica: 20 minutos
- DESCANSO (5 minutos)
- Repertorio: 20 minutos
- DESCANSO (5 minutos)
- Teoría y entrenamiento auditivo: 30 minutos
- DESCANSO (5 minutos)
- Esparcimiento: 20 minutos
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Insisto, es muy importante "personalizar" el plan, de acuerdo a las necesidades y posibilidades de cada alumno. Las combinaciones son infinitas.
 Mucha gente se pregunta: ¿cuánto tiempo por día hay que practicar? No tengo una respuesta para eso, ya que depende enteramente de cada uno, de sus objetivos, de sus habilidades, de su tiempo disponible, etc., etc.
La respuesta sería: "lo más posible". Pero no se trata solamente de tiempo, sino también de cómo y qué se practica, tal como mencioné anteriormente. 30 minutos por día, muy bien practicados, significarán, al cabo de un mes, aproximadamente 13 horas de práctica (incluyendo un día de descanso semanal). ¡Eso es MUCHO MEJOR que nada!
Recomiendo estudiar todos los días aproximadamente el mismo tiempo, en lugar de estudiar mucho un día y nada el siguiente. Y en lo posible a la misma hora del día. De esa forma el cuerpo adquiere un hábito que resulta mucho más productivo que agotarse y luego tener que darle tiempo al cuerpo (y a la mente) para recuperarse.
Este hábito en el estudio tiene que ser desarrollado. Uno se puede acostumbrar tanto a practicar todos los días como a practicar de vez en cuando. Algunos de mis alumnos demuestran maravillosamente ambos casos ;-)
De todos modos, incluso una persona habituada a practicar regularmente puede sentirse sin deseos de hacerlo algún día. En esos casos recomiendo el punto "8" antes mencionado: ESPARCIMIENTO. Simplemente tomar el instrumento y tocar lo que se desee. En algunos casos al rato se pueden sentir ganas de practicar alguna otra cosa. Pero si no es así no importa.
También puede suceder que luego de algunos días de practicar lo mismo se llegue a cierto grado de saturación. En esos caso recomiendo dos alternativas: a) cambiar de rutina y volver más adelante sobre ese material si hiciera falta; b) descansar un par de días. Muchas veces al hacer esto último se vuelve al instrumento con más ganas de estudiar, e incluso con la sensación de estar tocando mucho mejor que antes, cosa que probablemente sea cierta.
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Comentarios y sugerencias sobre cada tópico |
No es el objetivo de este artículo agotar el tema. Algunos estudiantes ya sabrán a qué me refiero al leer lo de más abajo, mientras que otros no tendrán ni idea. Pero es mi deseo que al menos todos puedan captar la idea o el "espíritu" de lo que intento transmitir aquí. Se ofrecen solamente algunos comentarios y ejemplos de tópicos posibles debajo de cada título, pero cada uno de ellos también merecería un "CÓMO", ya que -para citar algunos ejemplos- hay muchísimas formas de practicar escalas, o afinación, o lectura...
1) Warm-up (preparación) y Sonido
Es muy importante comenzar el estudio progresivamente, para que los músculos que se utilizan para tocar el instrumento, que no son muy utilizados en nuestra vida cotidiana, puedan comenzar a trabajar de a poco. También se trata por este medio de prepararse mentalmente para el estudio y lograr la concentración adecuada que nos permita practicar productivamente.
Obviamente, el tipo de ejercicios dependerá muchísimo del instrumento que se estudie. Los ejercicios aquí mencionados son para saxo/clarinete en su mayoría.
* Ejercicios respiratorios y motrices
* Ejercicios para el fortalecimiento de la embocadura
* Ejercicio de quintas lentas en todo el registro.
* Ejercicios de flexibilidad.
* Armónicos: Ejercicios de Joe Allard.
* Notas pivote, diversas variantes.
* Afinación: con notas pedal, afinando unísonos e intervalos. Uso inteligente del afinador electrónico (no entrenar la vista, sino el oído)
2) Lectura y estudio clásicos y/o populares
Los estudios clásicos son muy útiles para aquellos que se quieran dedicar a la música popular, mientras que los estudios de música popular serán de gran beneficio para aquellos que tengan a la música clásica como su principal objetivo. Creo que ambos estilos pueden se pueden complementar muy bien y ofrecer beneficios diversos al estudiante.
* Estudios varios para clarinete y/o saxo.
* Lectura a primera vista, ejercicios varios.
* Transporte (Leer partes de clar. en la con el clar. en si bemol, leer partes del Real Book u otros libros de temas que estén escritos en "C" con el saxo alto o tenor, etc., etc.)
3) Transcripciones (ver artículo en esta misma página)
4) Técnica
Son muchísimos los tópicos listados debajo. Dependerá de la inteligencia y/o estrategia del profesor y del alumno saber administrar el tiempo dedicado a la técnica. Es muy importante MEMORIZAR escalas, arpegios, modos, etc., ya que son los componentes básicos de gran parte de la música de los últimos siglos.
* Stacatto / Detaché
* Escalas mayores y menores en todas las tonalidades (ligadas y detaché)
* Modos
* Escalas cromáticas.
* Escalas por intervalos
* Distintos tipos de enlaces
* Arpegios
* Articulaciones (estudios sobre staccato - distintas combinaciones)
* Glissandos, multifónicos, efectos "especiales"
* "Patterns for Jazz" (Jerry Coker), muy bueno también para músicos "clásicos".
5) Improvisación
Aspecto imprescindible para el estudiante de jazz y otros géneros populares, que considero además muy útil para el alumno que quiera tocar solamente música clásica, ya que le dará más soltura y musicalidad con el instrumento. Por supuesto, en este último caso el material elegido y tiempo dedicado a desarrollarlo no será el mismo.
* Standards.
* Trabajos sobre armonía de los temas:
- Permutaciones sobre las notas de los acordes. Practicar también sobre las bases del Aebersold #21 o con el software "Band in a Box".
- Jerry Bergonzi (Inside Improvisation Series)
- Enlaces de acordes. Movimiento melódico en el cambio de acorde
* Solos con valores fijos.
* II V I (Cadencias)
* Temas modales
* Blues y Rhythm Changes en varias tonalidades
* Temas basados en "Tonic Systems" o multitónicas.
* Frases idiomáticas en varias tonalidades.
6) Repertorio
El énfasis tendrá que estar puesto en aquellos estilos que más interesen al alumno. No estará de más incluir varios estilos para contribuir a la formación integral del músico. Será importante aquí también dedicar algún tiempo a MEMORIZAR obras.
* Standards
* Blues
* Rhythm Changes
* Temas modales
* Originals
* Obras clásicas de repertorio
7) Teoría y entrenamiento auditivo
Este punto puede (y debería) incluirse también en la práctica diaria. No limitarse a lo teórico: tratar de aplicar los tópicos estudiados en el instrumento propio o en el piano o la guitarra (si esos no son los instrumentos propios)
* Enric Herrera - Teoría Musical y Armonía Moderna (en español)
* Andy Jaffe – Jazz Harmony (en inglés)
* Libros de María del Carmen Aguilar.
* Cantar intervalos a partir de notas tocadas en el piano o en el clarinete/saxo
* Sistemas básicos de composición: multitónicas o “Tonic Systems”, Blues, dodecafonismo, armonía modal, etc.
* Modos relativos y paralelos
8) Esparcimiento
Simplemente tocar lo que se desee, sin ningún tipo de exigencia, solo o con otros músicos. Este tipo de actividad es muy importante al finalizar el estudio diario, ya que de a poco muchos de los elementos estudiados en el día, que aún están en nuestra mente y oído, se irán incorporando de forma inconsciente a la ejecución.
Algunos aportes muy buenos de mi amigo Daniel Blech, que completan o refuerzan las ideas de este artículo:
* Hay una vieja frase que dice: "divide y reinarás". O sea: tomar las dificultades por separado. Los demás factores igual
permanecen en el subconsciente. Por ejemplo, si un
alumno tiene buen sonido, lo seguirá teniendo mientras practica otra
cosa aunque no le preste atención al sonido (porque si lo hace, estará
desviando su atención del objetivo específico del ejercicio). Si se está estudiando afinación (por ejemplo quintas) no hay que distraerse con la respiración, o con la dureza o blandura de la caña,
etc., sino dedicarse exclusivamente a afinar las quintas. Si se está
estudiando técnica, no distraerse con el sonido o con el fraseo. Y
así sucesivamente.
En mi experiencia, este esfuerzo de concentración da muy buenos resultados.
NOTA de DK: Por supuesto, no es para nada la idea negar la importancia de los tópicos que no se están trabajando en el momento, ya que se incorporarán separadamente, de forma específica. ¡Tampoco se está sugiriendo estudiar técnica con mal sonido!. Si el alumno practica regularmente ejercicios de sonido (para seguir con este ejemplo), seguramente sus ejercicios de técnica (o de lo que sea) cada vez sonarán mejor, porque ese elemento (el sonido) se irá incorporando progresivamente a la ejecución con el paso del tiempo. Creo que, en algunos casos, se pueden llegar a practicar dos tópicos al mismo tiempo, pero eso dependerá del alumno y de los tópicos en particular."
* El plan de estudio puede
verse muy bien sobre el papel pero en la práctica puede no funcionar,
o funcionar parcialmente (siempre hablando de situaciones
particulares, cada individuo funciona distinto, etc.) Si ese es el
caso, inculcarle al alumno que le haga las modificaciones necesarias
y/o que las busque con la ayuda del profesor, pero en cualquier caso que
no se conforme mecánicamente con una agenda diaria autoimpuesta, sino
más bien que la elabore con flexibilidad, autocrítica y de acuerdo a
los objetivos específicos que quiera conseguir. Y por supuesto,
diseñar otra si los objetivos son otros. Parece una perogrullada, pero
conozco bastante gente que repite durante toda su vida el mismo grupo de
ejercicios como un ritual, sin preguntarse para qué los hace. ¿Y cómo
se sabe si el plan escrito funciona o no? Si no hay ningún resultado
(aunque sea mínimo) en 10-15 días, algo hay que cambiar.
* Técnica, warm-ups, afinación, sonido: Para evitar la rutina y el aburrimiento, ir rotando (por períodos) los
ejercicios entre las muchas alternativas que tenemos a nuestra
disposición. En clarinete, por ejemplo, tenemos Klosé, Bärmann, Albert,
Kroepsch, David Weber, Burke y mil más.
Alentar al alumno a crear y escribir sus propios ejercicios, que se los
de al profe y a los compañeros para que los prueben, critiquen y amplíen.
La idea es mantener la mente activa y no estancarse en un solo punto de
vista."
* Repertorio: tomar una obra, o un movimiento o sección de la misma y probar tocarla
en forma distinta.
Por ejemplo: la primera frase del Adagio del concierto de Mozart para
clarinete se considera un ejemplo perfecto de legato. Bueno, tocarla
detaché tratando de que sea tan dulce y expresiva como en su versión
original (o que suene totalmente inexpresiva). O tocar la frase inicial
del 1er movimiento del concierto Nº 2 de Weber a tempo, pero pianissimo.
O cosas más locas como agergarle ornamentación barroca al concierto de
Copland. Las variantes son infinitas.
No digo que haya que tocar las obras así en el concierto. La idea es que "deformarlas" puede ayudar a verlas más claramente y encontrarles
detalles que uno había pasado por alto. Como mirar una figura a través
de una cámara reflex, ponerla fuera de foco y corregirlo gradualmente
hasta que la imagen se vea con toda claridad.
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"Tips" o Consejos Prácticos |
- La organización del estudio tendría que estar ESCRITA en un papel, y en lo posible habría que colocar el plan en un lugar visible en el lugar donde se estudie, o en el estuche del instrumento. Recomiendo además dejar espacio en el papel para hacer anotaciones a diario, para poder seguir la evolución y planificar mejor el estudio subsiguiente.
- MUY ÚTIL: Usar un "timer", que nos permitirá tener un aviso al cumplirse la cantidad de minutos asignados, sin tener que estar pendientes del tiempo durante la práctica. Una vez que se cumpla el tiempo anotar hasta dónde se llegó y continuar otro día con ese tópico.
- A veces el estudio de algo que no se sepa puede llegar a ser árido. De todos modos, recomiendo de a poco aprender a disfrutar del aprendizaje de algo nuevo, aunque sea lento o penoso. De nada sirve enojarse o ponerse de mal humor.
- Cambiar frecuentemente la posición: tocar sentado en una silla, en el suelo, parado.
- Tener preparado todo lo necesario ANTES de comenzar el estudio, para no tener que suspender a cada rato: lápiz, papel pautado y hojas en blanco, metrónomo, auriculares, afinador electrónico, un piano (¡afinado!) o teclado, pedal de "sustain" para el teclado, grabaciones, libros, computadora con software de música, apuntes, etc.
- Una iluminación apropiada también ayuda a crear un ámbito estimulante de estudio: buena luz en el atril para los estudios que involucran lectura, luz cálida y suave (u oscuridad absoluta) para los estudios que tienen más que ver con lo creativo o espontáneo.
- Durante el descanso entre tópicos no escuchar música, ni hacer cosas que tengan que ver con la misma. Simplemente tomar un té o café, hacer algo de ejercicio, caminar, etc. La idea es despejar la mente y darle un respiro al cuerpo. El tiempo de descanso puede ser mayor que el sugerido más arriba, si se lo desea.
- Sahumerios, aceites esenciales y fragancias naturales (aromaterapia) también pueden contribuir a crear un buen ambiente.
- En lo posible elegir ambientes donde la práctica no sea escuchada por otra gente. De esa manera no se tendrá el pudor a veces presente cuando se practica algo que no se domine aún.
- No comenzar cada tópico por lo más difícil, estudiar progresivamente.
- Dedicar un día de la semana al descanso.
- Estudiar lo que no se sepa, no lo que ya se domina. Parece algo obvio, pero me he encontrado muchísimas veces con gente que toca todos los días lo que ya sabe. Claro, también hay que dedicarle cierto tiempo al "esparcimiento", o sea a tocar "lo que salga", ¡pero eso no tendría que ocupar todo el tiempo de estudio!
- Tocar o trabajar con el instrumento también pueden ser considerados como práctica, siempre que uno dedique parte de su concentración a observar y aprender de la ejecución propia y del grupo.
- Desconectar los teléfonos. Se puede dejar un contestador automático y grabar todos aquellos mensajes personales y de trabajo. Estos últimos serán mucho más abundantes mientras más y mejor se practique ;-)
Y el timbre de su casa también sonará con más frecuencia, pero tal vez sean los vecinos, para quejarse...
- Evitar el estudio repetitivo no consciente. No tocar dos veces el mismo pasaje de la misma manera, siempre encontrar algo nuevo. La repetición mecánica solamente logra endurecer los dedos y la mente.
- No toda la práctica debe hacerse con el instrumento. Dedicar parte del estudio a VISUALIZAR lo que se va a tocar, antes de hacerlo. O sea: "armar" en la cabeza el recorrido que van a tener los dedos, imaginar cómo va a sonar, etc.
- Estudiar con metrónomo. Y también estudiar sin metrónomo. Hay ciertos usos "creativos" no tan difundidos del metrónomo que exceden los límites de este artículo.
- Ídem sobre el afinador electrónico.
- Tocar frecuentemente arriba de grabaciones, tanto del repertorio que estamos preparando como de las numerosas grabaciones "minus-one" o "play along" que se consiguen en la actualidad. ¡Por supuesto, mejor aún es tocar con otros músicos en vivo, sobre todo si son buenos músicos! Los beneficios de ambas alternativas son obvios y numerosos. También es más entretenido, por supuesto. Además se pueden preparar "bases" con algún secuenciador o con "Band in a Box".
- Son preferibles las salas de estudio con sonido "seco", ya que luego se sentirá más comodidad al pasar a un lugar más sonoro.
- Practicar a veces frente a un espejo, en lo posible de cuerpo entero, con el objetivo de tener una concienca clara sobre nuestra postura y modificar lo que sea necesario.
- Cuando se vuelve de vacaciones comenzar de a poco, practicando un poco más cada día. Poner énfasis en los ejercicios de sonido, ya que este aspecto es el que más se resiente. Tener paciencia y ser tolerante con uno mismo, ya que casi nadie tiene buen sonido luego de estar algún tiempo sin tocar.
- De vez en cuando practicar con micrófono y auriculares, sobre todo si se espera hacer trabajos de sesión o grabaciones en general. De esa manera no se sentirá desconcierto al enfrentarse a las condiciones habituales de los estudios.
- Grabarse a menudo y luego dedicar algún tiempo a la auto-crítica. También mostrar las grabaciones a amigos bien intencionados que puedan ofrecer una crítica constructiva.
- El doblaje de instrumentos y su práctica necesitarían un capítulo aparte. Todo "doubler" debería considerar dedicar algún tiempo a cada uno de sus instrumentos, sobre todo haciendo hincapié en el pasaje rápido de uno a otro.
- Usar ropa cómoda. Sacarse el reloj. Aunque cuando se está preparando algún concierto que requiera vestimenta "de concierto" no sería mala idea practicar a veces vestido de esa forma (zapatos, frac, traje, corbata, etc.), para evitar sentirse extraño el día de la actuación. (Esta última es una idea que leí en el libro "Flute", del gran James Galway.)
- ¡No tocar con dolor! Detenerse ante el menor signo de molestia, y hacer algún tipo de estiramiento, corregir la postura, revisar la técnica, etc. Si el dolor persiste pedir ayuda a alguien especializado en el tema.
- Buscar siempre la posición más cómoda, anatómica y "correcta" posible. Téngase en cuenta que uno se puede acostumbrar a una mala postura y sentirse relativamente cómodo en la misma, pero a la larga pueden aparecer dolores o problemas físicos irreversibles. Consultar siempre con alguien especializado en el tema.
- Regular siempre la altura del atril y banqueta, buscando la comodidad.
- Dedicar algún tiempo antes y después del estudio diario a ejercicios de estiramiento y conciencia corporal: Yoga, Feldenkrais, Eutonía, Tai-chi, etc., etc.
Eso ayudará a sentirse mejor y a prevenir dolores y lesiones que pueden llegar a ser muy serias.
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Enlaces de interés relacionados con el tema |
Material de estudio:
Venta de libros y partituras
Técnicas y prácticas corporales recomendadas para músicos
Teoría
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 Existen varios libros excelentes (en inglés) dedicados al tema de la práctica diaria. Entre ellos me gustaría volver a mencionar "How to Practice Jazz" (Jerry Coker), y agregar "How to Improvise" (Hal Crook) y "Ready, Aim, Improvise!" (Hal Crook). Si bien estos libros están orientados al jazz, siento que ofrecen ciertos elementos aplicables a cualquier tipo de música, con ciertos ajustes que el estudiante y/o profesor va a poder hacer sin problemas.
Para clarinetistas me parece muy bueno el método de Leon Russianoff (2 volúmenes), muy difícil de conseguir actualmente: "Clarinet Method".
Hay muchísimos otros libros con material de estudio variado, y muy importantes, que han venido utilizándose durante muchos años con muy buenos resultados en la formación del músico "clásico". En el sector "Textos" se pueden leer algunos reportajes a reconocidos profesores que mencionan muchísimos libros. También la nota de Wynton Marsalis sobre la práctica de la música.
Específicamente en el terreno del jazz son muy buenos los libros que David Liebman (gran saxofonista y maestro) cita como el "ABC": aquellos escritos por Aebersold, Baker y Coker.
Dentro de los libros más recientes dedicados a la improvisación, el lenguaje del jazz y la organización del estudio en general, considero muy importantes los de Jerry Bergonzi y Hal Crook (hay otros de este autor además de los ya mencionados).
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© Daniel Kovacich - Buenos Aires, Argentina - Febrero 2008
www.kovacich.com.ar
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¡Me gustaría
mucho recibir un mail suyo
contándome cómo le resultó el material! |
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Material: Organización de la práctica
